10 buenas películas que quiza no hayas visto

El cine es un universo muy amplio y casi inabarcable, por una película buena que ves pueden haber perfectamente otras diez detrás que la igualen o superen en calidad pero que, por desgracia, son mucho mas difíciles de encontrar, ya sea porque en su momento pasaran sin pena ni gloria, porque el tiempo las haya olvidado o porque formen parte de un tipo de cine que no es popular fuera de festivales como Cannes o Sundance. Yo no me considero un cinefilo, es mas, para mi esta es de las palabras mas execrables de pronunciar junto con la de melomano; una persona que se describe como cinefila describe mas su ego que su amor por las películas, pero eso ya es meterse en camisa de once varas y tocar fibras sensibles gratuitamente. Como digo, ni me considero un cinefilo ni una persona que sabe de cine, pues ademas de quedarme muchísimas películas por ver desconozco mucho de la técnica que rodea al arte de la cinematografía o a los grandes maestros, sumado al hecho de que yo y los clasicos no nos llevamos muy bien. Lo único que se es que me encanta el cine y que siempre estoy viendo peliculas, algunas de ellas he de reconocer que no muy conocidas o no tan conocidas como yo creo deberian serlo. Es por eso que hoy os traigo aquí 10 películas de mi filmoteca personal que considero excelentes y que tal vez no todo el mundo que lea mi blog conozca. A la hora de hacer esta lista no he seguido ningun orden, las he ido colocando conforme me han venido a la mente. 

Desaparecido

Costa-Gravas, dentro de lo underground, es un director famoso por sus películas sociales y critica política como Z y esta que aqui os traigo, que en su momento incluso gano un Oscar a mejor guion y que sin embargo no le ha servido para perdurar. Es mas, yo no la conocí por esto, yo la conocí porque Vangelis hizo la banda sonora. Desaparecido cuenta la historia de un padre que viaja a Chile en pleno golpe de estado para recuperar a su hijo desaparecido (dah¡). Costa-Gravas lanza puñaladas a los inutiles burocratas de Estados Unidos, que solo prometen y prometen sin hacer absolutamente nada; y a la CIA, por insinuar que estaban involucrados en el alzamiento militar (ojo, yo ni idea, lo dice la peli). La descripción del Chile tras el golpe de estado es tan cruda y lamentable, los personajes están tan destrozados y todo se cuenta con tal emoción e intensidad que es imposible no emocionarse. Una historia triste en la que no hay lugar para la esperanza y el optimismo. La música de Vangelis la hace de visionado obligado.

Arrugas

Mirad, al Cesar lo que es del Cesar, esta muy bien desproticar contra el cine patrio, pero cuando lo hace bien, lo hace bien. Y Arrugas es una maravilla de la animación que por desgracia solo los japoneses supieron apreciar como merecia. Ya de por si el material original es muy emotivo, la pelicula realza cada uno de esos momentos. Arrugas nos cuenta la historia de un anciano con principio de Alzheimer al que dejan en una residencia de ancianos, en la que conoce a cada uno de los pintorescos habitantes. Si pudiera describirla con una palabra seria tierna. Es una pelicula que juega sus cartas tan bien como Up, dándonos  momentos muy tristes y emocionales con otros mas alegres, casi cómicos, haciendo que el contraste te tenga con el corazon a flor de piel en todo momento. La animacion es identica al comic, exactamente el mismo estilo, no sobresale por ninguna rareza ni virtud, es una animacion sobria y contenida. Una película que reflexiona sobre la vejez tan bien que os va a hacer plantear como querer vivir los ultimos años de vuestra vida, algo que creo muy pocos hemos hecho.

Kon-Tiki

Vamos a relajarnos de tanto drama y a ofrecer algo mas alegre y reposado. Mirad, lo confieso, me encantan los bio-pics, y sobre todo si son de personajes casi desconocidos, como El viento se levanta. Kon-Tiki es la historia de Thor Hayerdahl, explorador noruego que se dispuso a demostrar su teoría de que los primeros habitantes polinesios provenían de Sudamérica lanzándose al mar en una balsa junto a otras cinco personas. La epopeya de Thor nos lleva a épocas en que las grandes empresas estaban a punto de desaparecer, esas que veíamos extasiados de niños y las emulábamos en nuestros jardines junto a nuestros amigos. La película transmite el mismo sentimiento de atracción infantil, un viaje poblado de peligros y aventuras,  con un guía como Thor, admirable por su tenacidad y cabezoneria que sacrifica todo por una empresa en la que cree y que nadie le impedirá realizarla. Si hay algo que destacaría de la película es lo majestuoso que se ve el océano pacifico en cada plano, sobretodo de noche, y la música, la música es una verdadera preciosidad que no esperaba oír en una película así.

El loco de pelo rojo

Aunque haya dicho mas arriba que no soy muy amigo de los clasicos, los pocos que me he animado a ver me han sorprendido muy gratamente, y entre ellos, la pieza mas rara que he visto fue este bio-pic sobre Van Gogh, uno de mis pintores favoritos del que por desgracia solo se hace mención la locura de sus últimos años y la automutilacion de su oreja. La impresionante caracterizacion de Kirk Douglas nos muestra al Van Gogh mas humano, sus obsesiones y temores, su forma de entender el arte, propio y ajeno, y como fue para el vivir solo, en la mas absoluta pobreza, pintando cuadro tras cuadro de forma enfermiza sin poder vender ninguno. Es un clasico de manual, las actuaciones son bestiales, Kirk Douglas combina el histrionismo de un neurotico Van Gogh con momentos de una intensidad rayana en la locura a la hora de mostrar la conflictiva personalidad del artista. En esta pelicula, pese a sus licencias, conoceremos una faceta de Van Gogh que no esta en los libros de arte, conoceremos a las personas que le inspiraron, que le apoyaron y le quisieron pese a su forma de ser.

El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford

Esta película es, al igual que su nombre, larga y lenta, se cocina a fuego lento y nos ofrece una visión desmitificadora de unos personajes que gracias a los westerns se han convertido en un recuerdo imperdurable de la salvaje conquista del oeste americano. Al igual que en la anterior película (si, me gustan mucho los bio-pics, yo lo siento en el alma), tenemos al Jesse James y Robert Ford mas humanos, ni un forajido romántico el primero, ni un traidor malicioso el segundo, solo dos hombres cuya fama los ha difuminado por completo. Si hay algo que me encanta de esta película es su fotografía preciosista, los planos que muestran el campo al atardecer, el caminar por la pradera, las eternas escenas de bosques. Se que esto la convierte en una película bastante difícil de ver y a ratos aburrida, pero solo por la relación tan autentica que se forma entre el personaje de Brad Pitt, en uno de sus mejores papeles, y Casey Affleck, que tiene mas talento en un huevo izquierdo que su hermano en toda su vida, merece la pena verla al menos una vez en la vida. Es de las pocas película del oeste, junto con Sin perdon en que veréis que disparar un arma pesa, duele, y que la gratificante sensación de quitar un hombre del camino no existe.

Hero

He puesto Hero en esta lista como podria haber puesto cualquiero otra pelicula de Zhang Yimou, pero he considerado que esta es de las mas "occidentales" y por tanto mas faciles de ver que sus otros trabajos. Hero es una mezcla del genero de artes marciales y del historico oriental, sin ser al final ninguna de las dos cosas, porque, aun teniendo todos los excesos de las pelis de kung-fu quiere contar una historia mucho mas profunda, y aun estando ambientado en un periodo histórico concreto, ni se nos describe ni influye en el desarrollo de la trama. El cuidado formal que tiene toda la pelicula es impecable, las coreografias de las peleas son fluidas, exageradas y casi animescas, la fotografia es aun mas preciosista que en El asesinato de Jesse James..., y mucho mas oriental. Hay mucha sabiduria zen y una mentalidad muy china, y aunque el mensaje final que quiere transmitir la película no es el mejor y puede tocar la fibra a mas de uno, el desarrollo de la película es impresionante, inteligente y muy agradable de ver por el cuidado de las imagenes y las peleas.

Cyrano de Bergerac

De esta película me reservo el derecho de hablar de ella a su debido tiempo, en una entrada en solitario. Solo os diré que no soy gran fan del cine francés ni de las películas de amor, pero que mi película favorita es romántica y francesa: Cyrano de Bergerac mi película favorita de todos los tiempos.













Tierras de penumbra

Los noventa fueron una edad de oro para este actor gales, El silencio de los corderos, Lo que queda del dia, Titus, Dracula... En este biopic sobre la vida de C.S Lewis, el escritor de Las crónicas de Narnia, olvidamos también su obra para centrarnos únicamente en su vida  y, hasta cierto punto, en su forma de ver el mundo luego de abrazar el catolicismo. Mas que en su vida en general, se centra en un episodio en particular, en el que conoce a una admiradora de su obra americana con la que se casa por ciertas circunstancias que no puedo decir. Si hay algo hermoso en esta pelicula por sobre todo lo demas es como toda la forma de vida de Lewis, todo en aquello que creia y su modus vivendi, se ve puesto a prueba por circunstancias que nunca pensaría que su vida de profesor universitario le haría conocer. Anthony Hopkins le faltan Oscars, y películas como esta lo demuestran. Mirad, hijos míos, que la película es una puta preciosidad, ala, pum, así de claro.


La duda de Darwin

Siendo estudiante de biologia como soy creo que no sorprende que una de las figuras que mas admiro sea la de Charles Darwin, el hombre que mas ampollas a levantado en la historia desde Lutero o Kiko Rivera. Hay dos cosas que amo de esta pelicula, y una de ellas es la que la gente siempre le hecha en cara. Lo primero, es la relación de Paul Bettany y Jennifer Conelly, Charles y Emma Darwin, que tienen una química impresionante en pantalla, mostrando a un matrimonio que, aun con todo lo que ha sufrido, se aman como el primer día; unido al hecho de que Paul Bettany jamas ha estado tan esplendido como en esta pelicula. Y la segunda es que no se centra en creación de El origen de las especies, por lo menos no tanto como la gente esperaba. Esta película cuenta una historia distinta, una en la que un pobre Charles Darwin intenta sobrevivir a la muerte de su hija Annie y de encontrarle un sentido a su vida centrandose, precisamente, en el libro de El origen de las especies. Ah, y también sale Benedict Cumberbatch, que seguro eso le atraera mucho mas a algunos que lo todo lo anteriormente mencionado.

Tombstone

Se que esta lista no ha sido todo lo variada de lo que me hubiera gustado cuando me propuse escribirla, pero es que soy un hombre de gustos muy concretos, y me gusta muchísimo el western, y sobre todo el western moderno. Tombstone es la historia, también muy conocida, del tiroteo del Okey Corral, y de como Wyatt Earp se propuso capturar a todos los asesinos de su hermano junto a su gran amigo y forajido Doc Hollyday. Y si tuviera que decir el principal motivo para ver esta pelicula seria ese: Doc Hollyday. Pese a estar algo romantizada su imagen, es tal la fuerza del personaje que lo convierte en el alma de la pelicula, y su amistad con Wyatt Earp en una de las mas iconicas del cine. Por lo demas, es un western clásico con todas las mejoras que le supieron dar tras la aparición de películas como Sin Perdón: mayor profundidad, mayor cuidado técnico, y mucha mas ambición que una simple producción de indios y vaqueros.

¿Habéis visto alguna de estas películas? Si os animáis a verlas no olvidéis comentarla y contadme vuestra experiencia. 

Recordad que podeis mandar cualquier sugerencia para una nueva reseña, tanto de pelicula como de libro

Whiplash

Haya por febrero, en tiempos mucho más felices, pude presenciar in streaming la gala de los Oscars. Injusticias a parte (dígase Gran Heroe 6) y marginaciones flagrantes (¿a qué familiar os mato Instertellar, cabrones?), me pareció una gala muy divertida y emocionante, ganándome con sus payasadas y actuaciones, sobre todo gracias a Neil Patrick Harris y su parodia al plano secuencia de Birdman; y bastante insípida en sus melosos tributos musicales, este año especialmente hipócritas por Selma. Pero creo que es a lo que nos tiene acostumbrado cada gala.  No obstante y obviando toda la polémica y la crítica anual, que muchas veces eclipsa a las películas (como estoy haciendo yo, vaya), este año ha habido grandes y grandiosas sorpresas. Lo confieso, me encanta el cine, pero no puedo asistir a cada uno de los estrenos de la cartelera, por lo que cacareadas películas como Perdida, Boyhood, Imitation Game y Birdman no las he podido ver, pero al menos por la publicidad las conocía. En cambio Whiplash fue algo completamente sorprendente: ni había oído hablar de la película, ni la habían anunciado en televisión. Hace poco que la vi, así que… hablemos de Whiplash, cojones ya.

Whiplash cuenta la historia de Andrew Neiman (Miles Teller), un joven y prometedor baterista de jazz que entra en la Academia Shaffer, el proclamado mejor conservatorio de EEUU (no sé cuánto postureo hay en esta afirmación, pero habrá que confiar en la peli). En este nuevo mundo Andrew se encuentra con una competencia despiadada que, unido a su nuevo profesor, Terence Fletcher (J.K Simmons), un brillante docente pero con uno de los métodos educativos menos ortodoxos que se pudiera imaginar, hará que saque el máximo potencial que es capaz, aunque ello le cueste su integridad personal.

Por lo que parece Whiplash se concibió en un primer momento como un cortometraje de 18 minutos que consiguió una recepción muy positiva en el Festival de Cine Sundunce (un festival de cine independiente más famoso por los Simpsons que por sus propios méritos), y de este éxito se conseguiría la financiación necesaria para realizar una película completa. Y, si bien la película dura unos 90 minutos, he de confesar que se nota que la idea venia de un cortometraje. No me malinterpretéis, la historia es muy buena y se desarrolla de una forma magistral; todo el proceso de refinamiento al que se somete Andrew, su particular descenso a los infiernos a causa de la obsesión y el perfeccionismo está plasmado e hilado a la perfección, con una angustia genuina y lograda que se apoya tanto en la imagen como en la propia musica. Porque si pudiera definir Whiplash en una palabra seria esa: angustiosa. Andrew quiere ser el mejor, y se practica religiosamente para serlo, para demostrárselo a sí mismo, a su familia, al mundo y, sobre todo, a Fletcher. Para lograr este éxito lo sacrifica todo, su vida social y su integridad física y mental. La película transmite esta excitación mental apoyándose mucho en la música, en las escenas en que nuestro protagonista toca la batería (que me parece, además, una elección musical acertadísima para contar una historia así), y en menor medida en la fotografía, con planos más y más agitados conforme avanza la trama y planos detalle a los instrumentos que se suceden frenéticamente en las prácticas y los conciertos. Y hago este resumen aquí expresamente, para poder explicar cuál es el defecto, para mí, principal: el relleno.

Te voy a joder los cuatro fantasticos ¡Y lo sabes!

Como he dicho antes, Andrew está obsesionado con mejorar, y la película para enfatizarlo nos lanza una subtrama romántica en la que Andrew conoce a una chica, la dependienta del puesto del palomitas del cine, con la que mantiene una relación de menos de 10 minutos; una subtrama que, además, consta de tres escenas, una de ellas la cita propiamente dicha en la que ambos actores hacen gala de un autismo casi sonrojante. Podría perdonar todo esto si de verdad complementara al personaje pero, a mi parecer la película es capaz de transmitir y desarrollar al protagonista apoyándose únicamente en Fletcher, la familia y, sobre todo, la música. Hay otras dos escenas que también considero relleno, pero esta película sí que no puedo spoilearla; así que ahora vamos a hablar de los personajes.

J.J Jameson se canso de Spider-man y se dedico a la musica

Andrew Neiman es lo que podríamos llamar un chaval antisocial, ni tiene amigos, ni se lleva bien con su familia, solo vive por y para el jazz (y sin embargo en menos de dos escenas se liga a una chica, tocate los huevos). Miles Teller hace un buen trabajo para dotar a su personaje a lo largo de su via crucis personal de una emoción, un sufrimiento y una locura maniaca-obsesiva que va in crescendo a lo largo de la pelicula. Con muy poco, una simple escena de él tocando la batería, es capaz de transmitirte todo: emoción, dolor, miedo y frustración. Aunque he de confesar que la carisma de este muchacho brilla por su ausencia, llegando a interesarte poquísimo por sus problemas salvo cuando toca su instrumento. A nivel emocional, Miles Teller es como su personaje, vacio y autista. Te importa un huevo, y lo peor es que cuando lo juntas con J.K Simmons esto se nota aun mas.

En Minnesota solo hay vacas y maricones, soldado ¡Y a ti no te veo los cuernos!

Porque madre mía puto putisimo J.K Simmons. Menudo monstruo de la interpretación, es como ver al sargento de la chaqueta metálica haciendo compases de cuatro por cuatro. Fletcher roza la psicopatía, es tan salvaje y despiadado que fuerza a sus alumnos a límites del abuso emocional más carcelario. Escudándose constantemente en la anécdota de cómo Charlie Parker comenzó su carrera musical (su maestro le avento un platillo a la cabeza por tocar tan inspirado como otras veces), trata de sacar el diamante en bruto de cualquiera de sus alumnos, aunque sea a martillazos. Fletcher hostiga a sus alumnos hasta límites inhumano, y el talento de J.K Simmons es capaz de hacernos sentir mal por no saber llegar el ritmo e incluso de prepararnos para esquivar el siguiente platillo como si llevara nuestro nombre escrito. Y, aun con su sociopatia y crueldad, Fletcher es humano, muy humano, aunque la película, para su desgracia, lo simplifique con dos escenas, una de ellas algo tonta y la segunda algo forzada.

¿Sabes donde va a entrar todo esto?

Estoy olvidando algo importante: hemos hablado de la trama, de los protagonistas y algo de la fotografía, pero estamos olvidando el verdadero corazón de la película. La música, el jazz, es el esqueleto en que se apoya todo el filme. Creo no ser el único que piensa que el jazz no es de los géneros actualmente más populares, y si bien yo escucho algo de jazz siempre he sido aficionado del más tranquilo y meloso, ya sabéis, el de pianito y saxofón, bastante gay. Pero en Whiplash el jazz esta hipertrofiado como chulo de playa, es rápido, es frenético, es agresivo y está muy furioso. No es de extrañar que Fletcher haya elegido composiciones como Whiplash o Caravan (que es una ida de hoya importante), porque son tan violentas como el mismo. Cualquiera podría pensar que una batería en una banda de jazz es un simple acompañamiento para crear el ritmo, pero luego de ver Whiplash terminas por pensar que un buen baterista de jazz tiene siete brazos y una baqueta colgándole de la punta de la…

CARAVAN, ¡¡¡CARAVAAAAAAN!!!

Whiplash ha sido una sorpresa para mí en muchos sentidos. He pasado a no haber oído hablar de ella a convertirla en una de mis películas favoritas e, indiscutiblemente, una de las mejores del 2014. Mientras escribo esta conclusión está terminando de sonar Caravan y tengo las mismas sensaciones que cuando vi las escenas finales de la película: emoción y angustia. Echadle un ojo, no creo que os defraude, solo por ver el sadismo J.K Simmons merece la pena, y el Oscar.

¿Qué os ha parecido la película? Recordad que podéis dejar en los comentarios recomendaciones de películas, libros o álbumes musicales para que los reseñe y los critique lo mas humildemente posible.

El Jorobado de Notre-Dame

Ahora mismo estoy en lo que podríamos llamar la recta final más dura a la que me enfrentado en mi vida académica; no he estudiado mas creo desde que curse la selectividad, y ni por esas se puede comparar mínimamente a mi situación actual. Solo para que os hagáis una idea, llevo más de mes y medio sin pasar una página que no sea de apuntes y varias semanas sin poder disfrutar de una película sin saber que, o me tengo que poner a estudiar nada más acabar o debería de estar estudiando. Sin embargo, este Julio aplicado y trabajador ha sido vilmente amordazado, atado y sodomizado por mi esencia mas procastinadora esta tarde, en la que he dicho, a tomas por culo, y me he puesto esta maravillosa peliculita y a escribir esta crítica; ya ahogare mi arrepentimiento en litros helado de dulce de leche. 

Entremos en situación. ¿Quién de mi generación no ha crecido viendo esta película? Los 90 fueron para Disney como una edad de plata luego de sus primerísimos largometrajes animados: película estrenada, taquillazo asegurado. La bella y la bestia, Aladdin, Pesadilla antes de Navidad, El rey león. El Jorobado se estreno un año después del batacazo que supuso Pocahontas –ojo, a mi me gusta Pocahontas, pero hablamos de éxitos en taquilla-, cuando esta edad de plata estaba ya en decadencia. Y, sinceramente, no creo que el Jorobado de Notre-Dame fuera la mejor opción para recuperar audiencia: Me explico.

El Disney más clásico siempre ha trabajado con una fórmula mágica, tiene su zona de confort,  los cuentos de hadas y las fabulas tradicionales. Cuando Disney decide optar por un registro nuevo, o peor aun, reinventar su fórmula es cuando los pezones se ponen duros de terror (y para muestra… Pocahontas). O salen sus obras maestras, o grandes decepciones,  no hay término medio, sobretodo porque obedece a motivos muy subjetivos. Con el Jorobado decidieron adaptar una novela de Victor Hugo, Nuestra señora del París y, mirad, os puedo asegurar que es como si Disney decide reinterpretar Juego de Tronos. Ósea, no, y para muestra un botón. La primera escena, en las que nos presentan al villano persiguiendo a una pareja de gitanos con su bebe, la muerte de la madre a manos del villano y un intento de infanticidio. Veis… veis vosotros ya donde está el problema ¿No?

Ya tenemos imagen para el poster

Este movimiento tan arriesgado fue el que la condeno: el material para la adaptación no era el apropiado para hacer una buena película infantil, por lo menos no si querías traumatizar a tus hijos, esas mismas criaturitas que ya habían sobrevivido a Mufasa y a la mama de Bambi. Y luego también están los puristas de la novela de Hugo, los cuales vieron como el filtro Disney distorsionaba su adorado libro. No obstante, yo creo que esta es la mejor cualidad de la película, la oscuridad de la obra del francés dota a la película de una identidad y una inteligencia de la que carecen muchas otras obras de Disney que podrían, e incluso deberían, tener una carga dramática similar, y no solamente una muerte aislada que parta el corazón para que luego todo vuelva a ser chachi pistachi. Esta película tiene mucho que decir y su mensaje es importante sobre todo para los niños, que se ha demostrado que sobreviven a un poco de crueldad, si no díselo a Miyazaki volando cabezas con arcos y flechas. Y para los segundos… ¿Qué esperabais encontrar en una adaptación de hora y media, animada, de Disney de una obra de 700 páginas, violenta, salvaje, y peor, DEL TIO QUE HIZO LOS MISERABLES? ¿No os imaginabais que no iba a estar bien adaptada y, que si lo estuviera, Disney hubiera quebrada a base de pleitos? Dejando esta introducción, ya excesivamente larga, aparte, vamos a hablar de la película como tal, olvidándonos del libro, los problemas financieros de Disney y la inocencia destruida del pequeño Timmy.

Esto... pues eso, vaya. Que a callar... Si.

La historia del Jorobado no creo que sea desconocida a nadie, así que voy a spoilearla sin piedad. Quasimodo pierde a sus padres siendo un bebe a manos de Frollo, un juez que enmascara su sociopatia en un aura de santidad que le acoge como su protegido, confinándolo en el campanario de Notre Dame, del que le está prohibido salir. Ya adulto, Quasimodo quiere salir y ver Paris, en pleno jolgorio por las fiestas gitanas, y, desobedeciendo a su maestro, va al festival, en el que por desgracia es humillado y maltratado por los ciudadanos. Pero una gitana, Esmeralda, sale en su ayuda y se enfrenta a la multitud, despertando la ira del juez Frollo, que la manda arrestar por bruja. Hay otro personaje importante mas, Febo, el capitán de la guardia de la ciudad, que se enamorara de Esmeralda y, junto a Quasimodo, le ayudara a escapar de las manos del lujurioso juez. La historia a grandes rasgos  es la misma que la de la novela, pero descafeinada. La estructura y el ritmo es el clásico de Disney: principio, nudo y desenlace, o mejor dicho, presentación de personajes, primer conflicto, desarrollo, un segundo conflicto, climax, final feliz. Particularmente la historia me encanta, pero mas que la historia, el tratamiento que se le da, pues aun estando descafeinada, hay partes que son muy fuertes, partes que te dejan diciendo: ¿pero de verdad Disney hizo esto? ¡Disney los tenia cuadrados entonces! El martirio del pobre Quasimodo, una velada escena de flagelación, el intento de quemar a Esmeralda por brujería, pero sobre todo, el villano, y que villano…

¡DISNEY POR DIOS!

Frollo, sin ninguna duda, es lo mejor de la película. Es uno de los personajes más despreciables, sanguinarios y al mismo tiempo disfrutables que haya creado Disney; es tan malo, pero tan malo, que un coro gregoriano grita cada vez que aparece en pantalla. Todas sus acciones son crueles, es manipulador, despiadado, desalmado e inquisitorial en el peor sentido de la palabra, un fanático religioso que justifica sus peores acciones teniendo a Dios siempre en la boca. Pero todo esto alcanza su summun en una canción en la que, literalmente, Frollo fantasea sexualmente con Esmeralda. Pareciera una mezcla del inquisidor Bernardo Gui, del nombre de la rosa, y los monjes libidinosos de las primeras novelas góticas. Un villano perfecto, con un desarrollo perfecto, e interpretado a la perfección por las perfectas cuerdas de acero del todopoderoso Constantino Romero. Que Dios lo tenga en su gloria, este donde este.

Ummm, you touch my tralala...

El trió protagónico también está bien retratado para la corta duración que tiene la película; salvo pobre Febo, podríamos decir que su parte es la que mas cojea de todas. Quasimodo tiene una mezcla entre candidez y nobleza que hace que inmediatamente sintamos pena y ternura por él. Es un personaje trágico hasta el último momento: recluido en una torre, tratado de monstruo por el que considera ingenuamente su protector, la primera vez que sale conoce lo peor de la humanidad y, para rematar, no se queda con la chica. Vale, al final de la película una chiquilla le abraza y todos le aceptan como uno más y no estará solo; pero eso es un detallito, el pobre muchacho, tan bondadoso, tan bueno que es, queda friendzoneado de la más fea de las formas. Y esto, señores, que a muchos les disgusto, a mi me pareció un acierto. Me explico. Está claro que no es el mejor mensaje que dar a los niños, que si eres bueno y cariñoso pero feo como un trueno la chica se va a ir con el guaperas. Es un mensaje cruel, pero por desgracia, muchas veces es la triste realidad y, para más inri, aunque os sorprenda, los niños no son tan ingenuos como Disney y otros creen, hasta los chiquillos saben que por muy bueno que sea Quasi sigue siendo deforme y que es difícil enamorarse de alguien así. Es cruel y muy triste, pero es un mensaje bastante adulto para tratarse de una peli Disney.

Si es que en el fondo me duele hasta a mi...

Esmeralda me parece de los personajes más divertidos de la película, un derroche de energía y mala baba, siempre dando saltos, riéndose del orden y los poderosos, nunca dejándose domar. Aun tratándose de una gitana con una identidad cultural de lo más confusa (en general la etnia gitana es retratada en la película con la típica visión yanqui, de no tener ni zorra idea de lo que hablan), es de los pocos gitanos que parecen una caricatura, y eso que va arrastrando un chivo, ojo. La relación que mantiene con Quasimodo es muy tierna y, a la vez, confusa, porque la película en verdad a veces sí que da a entender que siente algo más que amistad por Quasimodo (o la muchacha es MUY cariñosa), por eso el posterior romance con Febo se hace aun mas forzoso de lo que ya es. Porque si de por si Esmeralda y Febo se han visto como dos veces en toda la película y compartido lo que a mi parecer son cinco frases, al desarrollar más la relación entre Esmeralda-Quasimodo, reduces a lo que podría haber sido una relación solida (las pocas escenas que comparten son muy simpáticas y, a niveles de trama, casi diría que utiles), en el tan trillado y estereotipico flechazo Disney. Y hablando de Febo, poco podemos decir de él salvo que es muy noble, con sus puntos de comedia y que no se hace antipático en ningún momento, es lo mejor que podemos decir de el: que esta y no molesta.

La animación de todo el filme es impresionante. Paris se ve inmensa, majestuosa, con una Notre-Dame tan magnífica y espectacular que sientes de verdad que domina sobre todo el paisaje. El nivel de detalle que tiene la catedral es, además, meticuloso y casi preciosista: las campanas tañéndose, las policromadas vidrieras, las estatuas de los santos de rostro beatifico, pero terroríficamente solemnes cuando la situación lo requiere; los ornamentos, pilares y florituras por las que escala Quasimodo, esta tan recargada de elementos que estremece el imaginar cuanto tuvo que costar hacer cada dibujo. Todo esto acompañado, además, por un uso del color y la música impresionante. Hay una escena, el climax de la película en la que, literalmente, Paris es el infierno en la Tierra: el cielo está poblado de nubes y humo rojo, hay un auto de fe en el centro iluminando toda la escena de un tono sanguinolento, del suelo solo se pueden entrever las llamas que comienzan a devorar los edificios; y en lo alto, Quasimodo sosteniendo a Esmeralda en sus brazos gritando “¡Esta en Sagrado!”. Me emociona solo de recordarlo. Y la música, la música es tan solemne que eriza el bello. No estoy hablando de la parte musical de toda peli Disney, esas que tanto canta la gente y que tanto adora pero que yo, al no tener alma, detesto con toda mi alma en el peor de los casos, o me dejan indiferente en el peor. Hablo de la música extradiegetica, los canticos gregorianos en latín, que dan un dramatismo a cada escena que ni el propio Victor Hugo pudo idear en su momento. El intento de infanticidio de Frolo y el climax sin esos coros tan grandilocuentes no quedarían en nada (cito mucho estas dos escenas, pero es que son bestiales).

¡A la friendzone va tu puta madre!

En conclusión, con todo lo bueno y todo lo malo, con el éxito en taquilla o sin él, con el recuerdo de mi generación o de las venideras, y siendo totalmente subjetivo en esta crítica, he de confesar que El jorobado de Notre Dame es una de las mejores películas animadas de Disney, muy lejos del clásico Disney de cuento de hadas y claramente infantil. Una historia épica y romántica en el sentido más literario de la que, a mi parecer, era imposible de adaptar mejor.

Y ESTAS TRES JAMAS EXISTIERON

Itaca

Esperanzas - Sir Lawrence Alma-Tadena. 1885

Se que esta entrada a mas de uno le resultara extraña, pues rompe por completo lo que ha venido siendo la mecánica de este blog: reseñas de libros,cine y música. Pero hoy no he podido contenerme, y ante todo este espacio sigue siendo un blog, un lugar en que plasmar mis emociones y vivencias del dia a dia, y eso es exactamente lo que voy a hacer. Esta tarde he estado recordando, mientras escuchaba un disco de Vangelis, ya un conocido por estos lares, un poema que siempre viene a mi mente en los momentos de mayor melancolia; y si bien no soy un hombre de gustos poéticos si que tengo algo de sensibilidad, y cuando algo me toca el alma, me emociona, como en este caso. 

Tal vez muchos de vosotros no los conozcáis, otros, en cambio, sabrán al leer el titulo de quien estoy hablando. Costantinos Kavafis, el poeta heleno por excelencia, con una obra muy breve a sus espaldas, mas muy selecta, una leyenda por los mares del levante que le vieron nacer y, por desgracia, un desconocido fuera de ellas. Kavafis escribía una poesía exótica, hermosa, sencilla pero de temática y técnica compleja, que evoca a las epocas mas ancianas de la humanidad y a los placeres mas ocultos de esta. Y hoy os traigo EL poema, lo que para mi es su mejor obra, la que me obligo a releer en los momentos de abatimiento. Porque, aun en la adversidad, debemos seguir buscando Itaca y disfrutar del camino, aunque sea largo y duro.

Cuando emprendas tu viaje a Itaca 

pide que el camino sea largo, 

lleno de aventuras, lleno de experiencias. 

No temas a los lestrigones ni a los cíclopes 

ni al colérico Poseidón, 

seres tales jamás hallarás en tu camino, 

si tu pensar es elevado, si selecta 

es la emoción que toca tu espíritu y tu cuerpo. 

Ni a los lestrigones ni a los cíclopes 

ni al salvaje Poseidón encontrarás, 

si no los llevas dentro de tu alma, 

si no los yergue tu alma ante ti.

Pide que el camino sea largo. 

Que muchas sean las mañanas de verano 

en que llegues -¡con qué placer y alegría!- 

a puertos nunca vistos antes. 

Detente en los emporios de Fenicia 

y hazte con hermosas mercancías, 

nácar y coral, ámbar y ébano 

y toda suerte de perfumes sensuales, 

cuantos más abundantes perfumes sensuales puedas.

Ve a muchas ciudades egipcias 

a aprender, a aprender de sus sabios.

Ten siempre a Itaca en tu mente. 

Llegar allí es tu destino. 

Mas no apresures nunca el viaje. 

Mejor que dure muchos años 

y atracar, viejo ya, en la isla, 

enriquecido de cuanto ganaste en el camino 

sin aguantar a que Itaca te enriquezca.

Itaca te brindó tan hermoso viaje. 

Sin ella no habrías emprendido el camino. 

Pero no tiene ya nada que darte.

Aunque la halles pobre, Itaca no te ha engañado. 

Así, sabio como te has vuelto, con tanta experiencia, 

entenderás ya qué significan las Itacas.

Konstantinos Petrou Kavafis

Y para vosotros ¿Que significan las Itacas?

Vicente Blasco Ibañez - La Barraca

La España de finales de siglo XIX era un caldo de cultivo perfecto para que el naturalismo se expresara con toda su fuerza. En un país atrasado, provincial, alienado por la religión, inculto, empobrecido, corrupto y caciquista, los escritores españoles encontraron multitud de frentes donde poder atacar con afilada pluma los cimientos de una España cada vez más mísera, y que empezaba a tomar conciencia de su propia miseria: Emilia Pardo Bazan describía con crudeza la sociedad rural gallega, Clarín la hipocresía de la burguesía decimononica, Benito Perez Galdos, que si bien no se le adscribe al movimiento, también realizo cuadros realistas muy tristes de la España de entonces, pero con un toque dramático mas “deformado”, mas dickensiano. De entre todos estos, a mi criterio personal, sobresale la figura de Blasco Ibañez, posiblemente, el escritor más vendido y famoso de principios del siglo XX ya no de España, si no del mundo; condición que hace que sobre su obra uno pase de puntillas en clase. Porque, ya sabéis, los bestsellers son cacota y eran cacota ya en el siglo XX si eras un intelectual.  

Republicano empedernido y saboteador de procesiones freelance, cosecho un importante éxito en España con sus novelas costumbristas valencianas, y el mundial con sus novelas ambientadas en la Gran Guerra y las adaptaciones de un jovencísimo Hollywood aun mudo. Actualmente, críticos y académicos señalan que es su obra costumbrista la de mayor calidad literaria, yo, a mi pesar, carezco de conocimientos para afirmarlo o desmentirlo, pues solo he leído su obra costumbrista, en la que se adscribe La Barraca. El tema principal de la novela es la intransigencia y violencia de un pueblo atrasado y sus consecuencias. El tío Barret no puede pagar el arrendamiento de la tierra al cacique local, Don Salvador, y en su desesperación lo asesina. La barraca queda inmediatamente abandonada y el pueblo jura que jamas permitirán que sea cultivada de nuevo, en memoria del difunto Barret. Pero no contaban con la llegada de Batiste y su familia, que intentan comenzar una nueva vida en el pueblo y que no lo tendrán nada fácil. Así comienza el cruel hostigamiento del pueblo hacia su familia, y no terminara bien... 

Mi nombre es Rodolfo Valentino, vos matasteis a mi padre, prepárate para morir

Blasco Ibañez describe con detalle y lirismo las mediterráneas campiñas y con especial crudeza las condiciones precarias en que vivían sus habitantes, así como las escenas más duras del libro, en las que no se aprecia ni un atisbo de implicación emocional, solo descripción fría, como en una disección. Este contraste dota a la novela de una riqueza especial, haciendo que queramos adentrarnos en esos bucólicos y soleados paisajes donde los pájaros cantan y los juncos vibran mecidos por el viento, a que inmediatamente deseemos ponernos a salvo en nuestro siglo. 

Un siglo mucho mas civilizado, donde vamos a parar

El ser humano es cruel, y su intransigencia y cabezonería nos llevan a ver en esta obra los actos mas despreciables que puedan imaginarse en un país que se hacía llamar irónicamente civilizado. 

No es una lectura agradable, pero es una muy buena novela, de gran calidad. Si no os echa para atrás la crudeza y estáis familiarizados al drama, seguro que la disfrutáis. O no, pero no os dejara indiferentes.

(Esta es una reseña publicada anteriormente en Goodreads cuando no tenia la soltura y el humor habitual, es bastante peor que mis reseñas actuales y os compensare por ello con una reseña nueva dentro de poco, cargada de bilis, fotos de gatitos y torsos desnudos de hombres bien machotes, y no a Valentino como bailaor de jotas) 

El imperio del fuego

Si analizamos detenidamente el argumento de ciertas películas mas de una vez nos llevaremos una sorpresa. Películas ensalzadas por críticos, incluso, se basan en premisas que, sobre el papel, son tremendamente imbéciles. Por ejemplo, si analizamos el argumento de Up, nos daremos cuenta de que la premisa es completamente surrealista y casi idiota, motivo por el cual el tráiler echó para atrás a mas de uno, servidor incluido. Y, sin embargo, Up solo necesita 5 minutos, 5 PUTOS MINUTOS, para mostrarte la historia de amor más perfecta y redonda de la Historia, no del cine ni de la literatura, de la Historia con mayúsculas. Incluso pasados esos 5 minutos grandiosos, el resto del filme es una pieza de amor al cine espectacular, con  momentos dramáticos y emocionales sin llegar a ser melosos, un humor tontuelo que no llega a ser estúpido y unos personajes entrañables a los que amas desde su presentación. Así, un argumento idiota pasa desapercibido, porque el conjunto esta tan bien realizado que entras en el juego que propone la película, obedeces sus leyes y no la juzgas, la disfrutas. Luego está El imperio del fuego, y raleas similares como Lucy, por ejemplo. Parten de una premisa totalmente imbécil y conforme la van desarrollando te vas sintiendo mas y mas gilipollas. Ahora que tengo vuestras morbosas atenciones vamos a destripar con ensañamiento y alevosía este esperpento. 

A principios del siglo XXI una excavación en el centro de Londres revela que debajo de la Tierra, invernando como hamsters desde hace millones de años, hay dragones, bichos escamosos, con alas, que escupen fuego y mucha mala uva, lo que viene a ser un puto dragón. Si, tal cual, en las alcantarillas de Londres, y los nenazas de Nueva York presumiendo de tortugas y cocodrilos. Nuestro protagonista, por entonces un niño, vive de primera mano el despertar de los alados reptiles porque estaba ahí golisneando junto a su madre la excavadora, la cual muere muy convenientemente en el minuto uno del susto, se ha transformado veinte años después en un recio mozalbete con la cara de Christian Bale –porque el talento y la personalidad se la debió olvidar en American Psycho- y en el líder de una comuna de refugiados.

Estas son mis razones para estar en esta pelicula

Paralelamente a esto nos cuentan cómo nos conquistaron los dragones, nos dan información de ellos y algo de contexto para situarnos en el mundo post-apocalíptico que será nuestro escenario: básicamente, desarrollan la premisa, cagandola estrepitosamente. Conforme mas vamos sabiendo de los dragones, mas sepultan a la película en las cenizas. Voy a hacer unos pequeñísimos spoilers que no creo que os destripen la película mas que una sinopsis. Resulta que estas putas lagartijas extinguieron a los dinosaurios en un mar de llamas, y luego de alimentarse de todas sus cenizas –porque si, ese es su alimento, aunque luego en una escena by the face recurran al canibalismo- hibernaron 65 millones de años hasta que en la prospección los despertaron ¿De donde vinieron? ¿Son aliens? ¿Por qué no hay registro fósil de los dragones? ¿Acaso también evolucionaron de los reptiles? No se sabe y no se dice, porque una vez metido en el fango, si te mueves no vas a salir de él, solo conseguirás embarrarte mas. NUNCA, JAMAS intentéis dar explicación científica a elementos fantásticos, la línea que separa la estupidez de la genialidad es demasiado delgada. Otra cualidad de estos bichos es que a las 8 de la tarde no ven  porque, según ellos, es la “hora mágica” y “no enfocan” –Exactamente igual con los pubs y sus horas mágicas-. También dicen que solo hay hembras y un único macho que las fecunda como si fuera un pez. Creo que vosotros también veis el problema ¿No? A cada explicación que dan la película pierde más y más credibilidad hasta convertir a la premisa en un chiste con alas.

¡¿Pero es que no aprendisteis nada, gilipollas?!

Pero, peeeeeeeero… Este no es el enfoque de la película; el filme dura una hora y media y claramente se centra en la acción, en el matar dragones y, en última instancia, sobrevivir. No obstante el que esta sea una película de acción no le escusa muchos otros defectos que derivan, precisamente, de este tipo de tratamiento. Los personajes, por ejemplo, no nos interesan lo mas mínimo, y los actores ni se esfuerzan en hacerlos creíbles, y ojo, tenemos nombres importantes aquí. Christian Bale, como he dicho antes, interpreta a nuestro protagonista, líder de la comuna, y es mas o menos parecido a John Connor de Terminator Salvation: un tío con una gran responsabilidad a sus espaldas cuya única preocupación es la seguridad de la comuna,  y que aun así abre las puertas al primer forastero con un tanque y ejercito particular a las espaldas. Ojo con el Guardián de la Noche. Este forastero, yankee, para más inri, es Matthew McConaughey, en esa etapa artística sosa e insípida antes de que le dieran todos los papeles de yonki profundo y molase, un cazadragones que viene a aprovisionarse pero, que sorpresa, ¡era una trampa!. Nuestro buen amigo Matthew no es de fiar, y se nota desde el principio, aunque se gana la confianza de todos cargándose a un dragón de la forma más enrevesada posible: distrayéndole con un helicóptero y lanzándoles tíos que cargan redes.... Mirad, yo no la estoy criticando, en el fondo la película se critica sola. También hay que hacer una mención especial a Gerard Butler que, bueno, está ahí, es el amiwi de Christian y es muy simpático, pero por contraste: tienes a un soso, y tienes a un psicópata bipolar. Me estoy dando cuenta que si sigo por esta línea de critica  voy a terminar diseccionando la película, así que voy a detenerme aquí no sin avisaros que es precisamente al final cuando el nivel de despropósito roza la vergüenza ajena. 

Porque este tío tiene pinta de ser de los que vienen a hacer amigos

Pero no todo va a ser rollo Risto Mejide y lanzar bilis por el gusto de ver el mundo arder. La película, aun con lo estúpido de su premisa, la poca credibilidad y seriedad de su historia y el nulo desarrollo de los personajes, tiene varias virtudes, buenas virtudes. Aunque se trata de una película del 2002 los efectos especiales están bastante bien logrados, los dragones se ven muy reales y amenazantes, sientes que están ahí volando o abalanzándose sobre el incauto capullo que huye rezagado; cuando sueltan fuego sientes que quema, abrasa. El peligro es real.  La escena en la que se cargan a un dragón tiene un toque espectacular pese a lo absurdo que es ver gente… lanzándose en paracaídas con cadenas. 

La fotografía gris ayuda mucho a que el dragón se vea mejor

Otra cualidad es lo logrado de la ambientación. En verdad no es nada espectacular ni carismático este mundo post-apocaliptico, no tiene la carisma de Washington en Fallout ni la decadencia melancolíca de The last of us. Es básicamente un páramo de ceniza baldío de cielos grises, bastante soso, pero viendo que todo ha sido calcinado por dragones todo el panorama desolador encaja perfectamente. La chabola gigante en la que viven también da la impresión de estar construida con los deshechos que han ido encontrando, y aunque la tecnología sigue siendo la misma, algunas armas si tienen ese toque post-apocaliptico a lo Fallout, como el lanzarpones gigante que dan autenticidad al mundo.

¡¡¡Dovahkinn!!!

El imperio del fuego no es una película recomendable, en el fondo no es siquiera una buena película, las pocas virtudes, todas ellas técnicas o de ambientación no salvan un conjunto que hace aguas por frentes muy importantes. Un triste quiero y no puedo que no salva ni las actuaciones bajas en calorías de un buen elenco. Se que esta no ha sido de mis mejores criticas, asi que he pensado que, si os apetece alguna película o libre que os gustaría que analizase y criticase porque os gusta el estilo, simplemente, seáis libres de sugerírmela en la caja de comentarios. Si me dusculpais, voy a ponerme Juego de Tronos para que se me pase el mal rato.

El cuento de la princesa Kaguya

Estoy seguro de que si menciono al estudio Ghibli, inmediatamente la mayoría de aquellos que hayan visto algo de anime sin llegar a ser otakus lo enlazaran con animación japonesa suprema, y al aun más supremo Hayao Miyazaki. No sería descabellado decir que Miyazaki es de los mejores animadores de todos los tiempos, no solo por su refinada tecnica, que es indiscutible, sino también por sus historias imaginativas, emocionales, tiernas, sus entrañables personajes, su indiscutible gusto para elegir bandas sonoras superlativas para sus filmes y los mensajes que encierran sus historias que, aun tratándose de películas de corte infantil, encierran un amor por la naturaleza y una crítica al ser humano que ya quisieran muchas películas que se hacen llamar "adultas".  La princesa Mononoke, El viaje de Chihiro, Nausicaa del valle del viento, Mi vecino Totoro… Todas ellas maravillosas. Es indiscutible que la genial mente del maestro Miyazaki estaba detrás de todos los grandes proyectos del estudio, del cual es cofundador, su retirada permanente del mundo de la animación causo mucho recelo en los seguidores de su trabajo. Sin embargo, esto no significa que en sus filas no hayan otros directores de una calidad incuestionable, y hablo de otro de los monstruos del estudio, el hombre que retrato el horror de la segunda guerra mundial sin apenas usar la crudeza, el maniqueísmo y las lacrimógenas trampas del genero bélico: hablo de la Tumba de las luciérnagas, y del también genial Isao Takahata, creador de la película que os traigo hoy.

El cuento de la princesa Kaguya ha sido una de las películas nominadas este año a los Oscars a la mejor película de animación, junto a Song of the Seas, Como entrenar a tu dragón 2, Los boxtrolls y la injustamente ganadora Big hero 6. No os guiéis jamás por estos veredictos, los Oscars pierden toda su objetividad en esta categoría. Es más, Miyazaki, con todo lo que ha sido, solo consiguió un Oscars por El viaje de Chihiro, y de gracias porque ese fue el año en que estrenaron peliculones como Lilo y Stich o Spirit… Otro año mas, el estudio Ghibli ha sido ninguneado sin amor, y eso que Song of the seas y esta película eran las que mas merecían la estatuilla.

Como al estudio Ghibli es el estudio que mas le gustan las princesas después de Disney, esta película nos narra la historia, o mas bien, la leyenda de la princesa Kaguya. Un humilde cortador de bambú que vive junto a su mujer en un pueblo en la montaña encuentra al cortar un tallo de bambú una diminuta princesita que se convierte ante sus atónitos ojos en un bebe. El hombre lo interpreta como una señal del cielo, y decide que debe criarla como su propia hija para que se convierta en una princesa gracias al dinero que, para mas inri, brota del bambú. Así trascurre la sencilla vida de la pequeña princesita que, como el bambú del que nació, crece mucho más rápido que los demás niños con los que juega y descubre el mundo que la rodea. Un día, cuando cumple los once-doce años, sus padres se mudan a la ciudad para cumplir los designios del cielo: hacer de ella una princesa. Pero no estará muy conforme con el cambio…

No quiero contaros mucho mas, porque es una película digna de verse y de descubrirla por dos motivos, dos maravillosos motivos. Solo voy a deciros que la forma de hacer historias de Takahata y Miyazaki contrasta mucho: Takahata es mucho más intimista, se centra más en la relaciones de los personajes y ofrece historias más humanas; Miyazaki es más creativo, su imaginación es desbordante y se ve en sus historias,  su ritmo, aun siendo lento en ambos, en Miyazaki es más rápido y desbocado, además, este siempre trata unos temas muy concretos. Todo esto lo digo porque aunque se trate de una leyenda popular japonesa y por ende tenga elementos sobrenaturales y fantásticos estos no son para nada la temática principal de la obra. Por resumirlo de algún modo sin llegar a spoilear toda la película, esta se centra casi exclusivamente en Kaguya. Kaguya es un ser conflictivo desde su nacimiento: fue criada en el campo, donde conoció a los que serian sus compañeros de juegos, que le acompañarían en todos los descubrimientos de los bosques, las riberas y los montes nipones; este amor por la naturaleza, unido al comprensivo cariño de su madre, harían que la vida que su padre había planificado desde el momento de su nacimiento se convirtiera en un lastre. Durante toda la obra este conflicto está presente, el saber que no perteneces a un mundo ni a otro –no olvidemos lo dicho anteriormente, Kaguya sabe que no es humana-, y la búsqueda de una identidad, aun enfrentándose a su padre, que en el fondo no es una mala persona, ni mucho menos, solo un pobre hombre que cree estar haciendo lo correcto. Es una historia tan tierna, tan humana y tan hermosa, sobre todo hermosa, que cuando llegamos al final de la misma es imposible no sentir como se te revuelve el corazón en el pecho.

                           

Pero sin duda, el aspecto mas destacable de la película, el cual vemos nada más comenzarla, es la grandeza artistica de la animación. Tal vez alguno de vosotros haya jugado Okami, donde controlamos a Amaterasu en un Japón feudal coloreado a base de pinceladas y acuarelas propias de los clásicos tapices japoneses. Este es el estilo vanguardista que maneja la película, pero mucho más refinado y delicado que el de Okami; todo esta dibujado y coloreado como si se tratara de una acuarela, pero los colores son mucho más aguados y los trazos más finos y delicados. Los parajes montañosos, los verdes bosques, los arroyos iridiscentes, todo está retratado con una delicadeza y una hermosura tan perfecta que es casi como contemplar un cuadro en movimiento. Hay escenas, además, en la que el estilo de dibujo sirve para trasmitir emociones, como en la huida de Kaguya, donde su cuerpo y el del bosque se unen en una espiral enloquecida de pinceladas reflejo de la confusión de la protagonista. Es tal la belleza, os lo juro, de la animación, que no puedo ensalzarla con palabras más rimbombantes y pedantes: pero yo lo siento. ES ASI DE BUENA.

La escena de la huida

Espero que la tremenda injusticia que los Oscars han cometido este año al ningunear a varias películas maravillosas no os impidan ver las cualidades y potenciales que tenían. El cuento de la princesa Kaguya tiene todas las virtudes de las mejores cintas del estudio Ghibli, con un toque vanguardista en el diseño y un ritmo lento y pausado muy oriental, el cual puede ser un defecto o una virtud dependiendo de que busques en una película. Creo que la opinión que me merece esta película esta más que clara, y mi recomendación no puede ser más sincera. Si este es el futuro del estudio Ghibli tras la marcha de Miyazaki no puedo estar más tranquilo por el porvenir .